« La passion Van Gogh » (Loving Vincent) de Dorota Kobiela et Hugh Welchman

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“Qui a tué Vincent ?”

Voilà un an que l’artiste décrié s’est donné la mort. Son ami, le facteur Roulin, confie à son fils Armand le soin de remettre au frère du peintre, Théo, une lettre oubliée. Acceptant la demande à contrecœur, le jeune homme finira par se passionner pour le mystère Van Gogh.

Fruit d’un travail titanesque long de plusieurs années, cette œuvre collective anime l’art du Hollandais volant de manière originale. Les scènes illustrées dans les tableaux du maître sont rejouées par des acteurs. Chaque image obtenue est ensuite repeinte à la main dans un style impressionniste. Mises bout à bout, elles donnent vie à ces paysages et personnages fameux habituellement figés. Quelques efforts sont nécessaires pour se laisser toucher par la beauté de l’objet aux mouvements parfois saccadés. Les couleurs se teintent de noir quand le passé évoqué envahit l’écran. L’histoire vire à l’enquête, façon Citizen Kane, au rythme des témoignages recueillis. Malgré ces artifices, l’intrigue intéresse au point de se laisser émouvoir à nouveau par le destin tragique du roi maudit.

7/10

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« Happy end » de Michael Haneke

Critiques

“Après l’Amour”

Dans leur hôtel particulier, la famille Laurent s’efforce de se maintenir autour de Georges, le patriarche, qui ne vit plus que pour mourir.

En ouverture, une femme est filmée à son insu en train de se brosser les dents. Des bulles de commentaires anticipent ses gestes, ses actions. Les vidéos de Benny et les caméras de surveillance de Caché ont laissé place à Eve, dissimulée derrière son téléphone intelligent. La jeune fille de treize ans possède toute l’élégance du hérisson. Tel son grand-père, c’est un instinct de mort qui l’anime. Avec son style chirurgical si précis, mais guère innovant, Haneke s’amuse à disséquer les âmes des bourgeois de Calais. Aveugles privilégiés, leur est-il permis de se plaindre alors que rôde au dehors un temps du loup bien plus féroce – conditions de travail, racisme latent, crise des réfugiés ? Plombé par l’autocitation, le discours n’évolue guère ni dans sa forme ni dans son contenu. Proche du rabâchage, le jeu n’a plus rien de « funny ». Il lasse et agace. Creux, les personnages sont des fantômes incapables de nous hanter. Transparents, ils en deviennent parfois ridicules – Paul, le fils raté, s’écorchant maladroitement au Chandelier d’un karaoké. Même le lumineux Jean-Louis Trintignant semble s’être éteint suite au départ d’Emmanuelle Riva. Que reste-t-il de leur Amour ? Rien qu’une étincelle. Il serait pénible qu’il tienne là son dernier rôle, lui qui est aujourd’hui malade. Tout aussi désolant serait que la carrière de l’ange exterminateur Michael s’achève sur cet Happy end d’une ironie prémonitoire.

4.5/10

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« Faute d’amour » (Nelyubov) de Andrey Zvyagintsev

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“Guerre froide”

Dans leur appartement de classe moyenne aisée, Boris et Zhenya se déchirent, sans égards pour leur fils de 12 ans, Aliocha, témoin et victime. Un jour, le garçon disparaît.

« On ne peut pas vivre sans amour ». Si conventionnelle est la réplique, mais au demeurant révélatrice. Les enfants malaimés d’hier sont aujourd’hui des parents négligents qui affichent avec fierté leur narcissisme sur les réseaux  sociaux. Un poison permanent qui se transmet de génération en génération. La portée du message est universelle, mais Andrey Zvyagintsev l’ancre avec insistance dans la société russe contemporaine. La politique nationale, la guerre aux frontières, le fondamentalisme orthodoxe, le désintérêt des autorités… Autant de plombs qui freinent la course en avant. Observatrice privilégiée, la caméra prend son temps pour montrer, disséquer, analyser. Le prolongement des plans stimule l’imagination et incite à penser au pire. Le constat glace le sang et ne laisse que peu d’espoir.

6.5/10

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« Vincent » de Christophe Van Rompaey

Critiques

Suicide raté

A 17 ans, Vincent en est à sa troisième tentative de suicide. Militant convaincu, il espère élever les consciences écologistes de tous en disparaissant de la surface de la terre, économisant ainsi 14 hectares de forêt. C’est « scientifique », affirme-t-il. De quoi désespérer sa famille recomposée qui assiste un soir au débarquement surprise de tante NiKki.

Quand le cinéma flamand vole, l’air de rien, trop près de Little Miss Sunshine, il se brûle les ailes et sombre dans la mer du Nord. Noir est l’humour, jaune est le sourire et rouge le déplaisir. Les caricatures s’enchaînent au fil d’un scénario très prévisible qui entremêle maladroitement le tragique et le comique. Un ado tête à claques qui tourne au terrorisme vert, une maman à bout de nerfs qui joue avec les nôtres, un beau-père labrador trop bon pour être vrai, Chouchou, la marraine bipolaire, et sa « boulette » de passage, un top chef qui ignore ce qu’est le végétalisme. On peine à croire une seconde à cette hystérie collective qui résume les Belges à des ploucs provinciaux et les Parigots à des têtes de veau. Belgique-France, 0-0, match NUL.

4.5/10

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« Dunkerque » (Dunkirk) de Christopher Nolan

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“Il faut sauver les soldats Ryan”

Mai 1940, près de 400’000 soldats des troupes alliées se retrouvent encerclés par les forces allemandes sur la côte dunkerquoise en France. Ils attendent et espèrent une délivrance, un miracle.

L’ennemi est partout. Qu’il soit sur terre, navigue en mer ou vienne du ciel, il transforme le bouclier d’un cockpit ou d’une cale de bateau en un piège fatal. L’eau devient feu et consume les naufragés. La mort rôde et s’empare des moins résistants, des moins chanceux. Le chevalier noir Nolan, sur les rythmes d’un Hans Zimmer inspiré, compose un requiem aux paroles rares et dans lequel les balles jouent les percussions. Usant du montage alterné et parallèle, il permet à la tension de monter pour ne plus nous lâcher. Et, en dépit de quelques fausses notes – discours orienté et parfois confus –, l’émotion se déverse quand riment ensemble héroïsme et humanisme. « Nous ne sommes que des survivants » déploreront pourtant certains rescapés de retour au bercail. « C’est déjà bien » leur fait-on comprendre. Car vivre en temps de guerre requiert du courage.

8.5/10

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« Eté 93 » (Estiu 93) de Carla Simón

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“La fin de l’innocence”

Devenue orpheline, Frida, 6 ans, est accueillie dans la campagne catalane par son oncle, sa femme et leur petite Anna. Une famille recomposée malgré elle, en quête d’un nouvel équilibre.

Boucles noirs, pieds nus, sourire espiègle, Frida ressemble à une Heidi espagnole. Sa mère est morte dans des circonstances qu’on préfère lui taire, par crainte et par honte. Comment comprendre dès lors et faire son deuil ? La fillette se tait, boude, provoque, mais ne pleure pas. Comme si ce drame la contraignait de grandir trop vite. La fin de l’innocence et de l’insouciance pour ainsi dire symbolisée aussi par l’apparition de la maladie. Tournée à hauteur d’enfant, l’œuvre repose sur ses deux jeunes comédiennes étonnantes. Leurs échanges et jeux tournés en plans-séquences sont des bulles de fraîcheur dans la langueur estivale. Avec retenue, la réalisatrice reconstitue une histoire et une époque qui lui sont très personnelles. Malgré la mort en arrière-plan, elle nous offre une régression nostalgique en pente douce, comme à la vue d’un vieux film de vacances retrouvé.

7/10

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« On the Milky Road » (Lungo la Via Lattea) de Emir Kusturica

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“Au pays du lait et du sang”

Entre folie douce et courage généreux, Kosta affronte les balles pour subvenir aux besoins en lait des troupes sur le terrain. Et quand son chemin croise celui de la bombe Nevesta, c’est son cœur qui explose. La passion est réciproque, mais la Voie lactée vers le septième ciel parsemée d’obstacles.

A la frontière croate, la vie côtoie la mort, le lait se mélange au sang. La guerre dure et brise les espoirs fragiles de trêve. Elle n’empêche pourtant de chanter, boire, danser ni aimer. La résilience humaine. Avec pour témoins, les animaux, moins bêtes, violents et sauvages que les déments qu’ils côtoient. Qu’elle soit foudre, vent, abeille ou reptile, la nature environnante se veut bienveillante, salvatrice. L’Emir lui déclare sa flamme en un final aux élans franciscains. On apprécie cet hommage aux couleurs surréalistes – un parapluie à la Magritte contre les missiles, les mariés volants de Chagall et les perroquets du Douanier Rousseau. On regrette les moyens limités et le désordre ambiant vite usant.

6/10

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« Le Grand Méchant Renard et autres contes » de Patrick Imbert et Benjamin Renner

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“La ferme des animaux”

Au théâtre ce soir : un cochon qui expédie un bébé par poste, un lapin qui parle chinois, un renard pris pour une poule et un canard Père Noël.

Maître Renard sur une scène perché, nous tint à peu près ce langage : « Que le spectacle commence ! ». Les animaux de la ferme jouent les comédiens professionnels dans une folie joyeuse. Trois « fabulettes » pour préconiser un lâcher-prise et un laisser-grandir bien ciblés. La créativité et la tenue des deux premières compensent l’affaiblissement d’un final estampillé « Fêtes de fin d’année ». Plus vrais que nature demeurent les entractes drôlissimes. Une alternative franco-belge digne et bienvenue à la production américaine qui ravira petits et grands.

7/10

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« Rodin » de Jacques Doillon

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“De la terre à la lune”

En 1880, Rodin a 49 ans quand il reçoit enfin sa première commande de l’État : La Porte de l’Enfer d’après Dante. Suivront au fil des ans les Bourgeois de Calais et le monument Balzac, malmenés par l’opinion public. Côté intime, l’artiste accompagné tombe sous le charme de son élève Camille Claudel.

Alors qu’il ne s’agissait au départ que d’un documentaire de commande rendant hommage au centenaire de la disparition de l’auguste sculpteur, Jacques Doillon en a fait une fiction intime. Son inspiration l’éloigne de l’académisme biographique pour aborder à la fois l’artiste et l’homme. Il en tire un récit fractionné, sans marquage temporel précis, qui s’appuie essentiellement sur les solides épaules d’un Vincent Lindon totalement investi dans le rôle-titre. L’acteur fascine quand il joue le génie au travail laissant l’art naître de ses mains. Arborant fièrement, comme son modèle, un dru collier à son menton, il en oublie fâcheusement de laisser les mots s’échapper, borborygmes inaudibles pour la plupart. Parler dans sa barbe est l’expression qui convient alors. De la terre à la lune, il n’y a qu’un pas. La nudité fessue de ses modèles, la folie dévorante de son élève forcent le désir de Rodin au détriment d’une concubine à la carrure étrange. Lui est un homme à femmes qu’il idolâtre et malmène : « J’aime Camille, mais je hais Claudel », lance-t-il, à bout. Mais trop sages, chair et beauté ne suscitent pas la passion. Plus sensuelle est la scène de caresse de l’écorce d’un arbre telle une peau infiniment douce. Malgré une matière fort prometteuse, Doillon ne transcende jamais son sujet et laisse de marbre le spectateur.

6/10

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« Noces » de Stephan Streker

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“La mariée était en rouge”

A dix-huit ans, Zahira doit faire un choix. Garder ou non l’enfant qui grandit en elle. Dans l’absolu, elle serait prête à en épouser le père, musulman comme elle. Mais sa famille pakistanaise aujourd’hui en Belgique refuse, car la coutume n’accepte que le mariage arrangé.

Rouge est le fil qui tisse le voile que porte la jeune fille autour de son cou ou sur ses cheveux. Rouge comme cette cage d’escalier oppressante qui suscite vertiges et sueurs froides. Rouges comme les tuyaux lors d’un avortement éprouvant. Rouge comme le papier d’une lettre d’amour ultime. Rouge comme le sang qui jaillit du cœur. Les noces pour Zahira seront rebelles et funèbres. Éprise de liberté, elle ne se résigne pas à l’iniquité de sa situation. « La vie est injuste pour tout le monde », lui répond sa sœur aînée pour qui lutte et résistance ne seraient qu’une vaine souffrance. Soit elle accepte un fiancé inconnu resté au pays, soit c’est sa famille qu’elle abandonne dans la honte. « Vous ne pouvez pas comprendre » répètent souvent les personnages autour d’eux, tant les traditions qui guident chaque génération sont ancestrales. Même s’il faut bien « vivre avec son temps », puisque l’ironie des rencontres et des mariages s’effectuent aujourd’hui via Skype. Sans juger, le réalisateur expose les faits avérés d’une réalité difficilement saisissable et tragique – on joue Antigone en classe – avec tact et sensibilité, bien secondé par de jeunes acteurs aux tons justes.

7/10

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